HISTORIA DEL POP ART Y CÓMO LLEGAR A SER UN ARTISTA EN ESTE MOVIMIENTO

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HISTORIA DEL POP ART Y CÓMO LLEGAR A SER UN ARTISTA EN ESTE MOVIMIENTO

El movimiento de arte pop fue en gran medida un fenómeno cultural británico y americano de finales de los años 50 y 60 y fue nombrado por el crítico de arte Lawrence Alloway en referencia a la prosaica iconografía de su pintura y escultura. Las obras de artistas pop como los estadounidenses Roy Lichtenstein, Andy Warhol, Claes Oldenburg, Tom Wesselman, James Rosenquist y Robert Indiana y los británicos David Hockney y Peter Blake, entre otros, se caracterizaron por su representación de todos y cada uno de los aspectos de la cultura popular que tuvieron un poderoso impacto en la vida contemporánea.

Su iconografía -tomada de la televisión, los cómics, las revistas de cine y todas las formas de publicidad- se presentaba de manera enfática y objetiva, sin elogios ni condenas pero con una inmediatez abrumadora, y mediante las precisas técnicas comerciales utilizadas por los medios de comunicación de los que se tomaba prestada la propia iconografía. El arte pop representaba un intento de volver a una forma de arte más objetiva y universalmente aceptable después del dominio, tanto en los Estados Unidos como en Europa, del expresionismo abstracto sumamente personal. También era iconoclasta, rechazando tanto la supremacía del «alto arte» del pasado como las pretensiones de otras vanguardias artísticas contemporáneas.

El arte pop se convirtió en un acontecimiento cultural debido a que reflejaba de cerca una situación social particular y porque sus imágenes fácilmente comprensibles eran explotadas inmediatamente por los medios de comunicación. Aunque los críticos del arte pop lo describieron como vulgar, sensacionalista, no estético y como una broma, sus defensores (una minoría en el mundo del arte) lo vieron como un arte democrático y no discriminatorio, que reunía tanto a conocedores como a espectadores sin formación.

HISTORIA DEL POP ART

El arte pop era descendiente del dadaísmo, un movimiento nihilista de la década de 1920 que ridiculizaba la seriedad del arte parisino contemporáneo y, más ampliamente, la situación política y cultural que había traído la guerra a Europa. Marcel Duchamp, el defensor de Dada en los Estados Unidos, que trató de acortar la distancia entre el arte y la vida celebrando los objetos producidos en masa de su época, fue la figura más influyente en la evolución del Pop art. Otros artistas del siglo XX que influyeron en el arte Pop fueron Stuart Davis, Gerard Murphy y Fernand Léger, todos los cuales representaron en su pintura la precisión, la producción en masa y los materiales comerciales de la era industrial de la máquina. Los predecesores inmediatos de los artistas pop fueron Jasper Johns, Larry Rivers y Robert Rauschenberg, artistas americanos que en los años 50 pintaron banderas, latas de cerveza y otros objetos similares, aunque con una técnica pictórica y expresiva.

Algunas de las formas más sorprendentes que tomó el arte pop fueron las reproducciones estilizadas de tiras cómicas de Roy Lichtenstein usando los puntos de color y los tonos planos de la impresión comercial; las pinturas meticulosamente literales de Andy Warhol y las serigrafías de etiquetas de latas de sopa, cajas de jabón y filas de botellas de refrescos; las esculturas de plástico blando de Claes Oldenburg de objetos como accesorios de baño, máquinas de escribir y hamburguesas gigantes; los «Grandes Desnudos Americanos» de Tom Wesselman, pinturas planas y directas de símbolos sexuales sin rostro; y los cuadros construidos de George Segal con figuras de yeso de tamaño real colocadas en entornos reales (e. g., mostradores de comida y autobuses) recuperados de los desguaces.

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La mayoría de los artistas pop aspiraban a una actitud impersonal y urbana en sus obras. Algunos ejemplos de arte pop, sin embargo, eran sutilmente expresivos de la crítica social -por ejemplo, los objetos caídos de Oldenburg y las monótonas repeticiones de Warhol de la misma imagen banal tienen un efecto innegablemente perturbador- y algunos, como los misteriosos y solitarios cuadros de Segal, son abiertamente expresionistas.

Este movimiento no requería de tantos conocimientos artesanales como por ejemplo el romanticismo o el realismo, pero requiere también de algo de práctica y los materiales adecuados. ¿Tienes dudas o más preguntas? Ven a Officemat y te ayudamos a definir tu estilo y llegar a ser un artista.

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