EL PRIMITIVISMO COMO TENDENCIA ARTÍSTICA

VISION TRAS EL SERMON GAUGUIN

EL PRIMITIVISMO COMO TENDENCIA ARTÍSTICA

RESUMEN DEL PRIMITIVISMO

El «primitivismo» es una tendencia artísitica compleja y a veces contradictoria. Este movimiento introdujo una nueva forma de ver y apropiarse de las formas del llamado arte «primitivo» y desempeñó un papel importante en el cambio radical de la dirección de la pintura europea y americana a principios del siglo XX. El primitivismo no fue tanto un movimiento artístico sino una tendencia entre diversos artistas modernos de muchos países que buscaban en el pasado y en culturas lejanas nuevas fuentes artísticas ante la creciente industrialización y urbanización. A partir de finales del siglo XIX, la afluencia de las artes tribales de África, Oceanía y los nativos americanos a Europa ofreció a los artistas un nuevo vocabulario visual para explorar.

En muchos sentidos, el primitivismo proporcionó a los artistas una manera de criticar las tradiciones estancadas de la pintura europea. El uso del arte primitivo de formas más simples y figuras más abstractas difería significativamente de los estilos tradicionales de representación europeos, y artistas modernos como Gauguin, Picasso y Matisse utilizaron estas formas para revolucionar la pintura y la escultura.

Mientras que en su cara, el primitivismo fue un intento de abrazar y elevar el estatus de las artes tribales, era en sí mismo una empresa intrínsecamente eurocéntrica y, en muchos casos, estaba sesgado en contra de las mismas artes de las que se apropiaba. A lo largo del último siglo XX y en el XXI, los artistas y académicos han intentado contextualizar históricamente el primitivismo y exponer sus deficiencias como marco para comprender el arte de las culturas no europeas.

IDEAS CLAVE DEL PRIMITIVISMO

Tal como lo entienden los artistas modernos, el arte primitivo no sólo proporcionó nuevas formas estéticas, sino que también ofreció un modelo emocional y espiritual más profundo y complejo que los artistas emplearon para criticar la modernización de la sociedad occidental. Teñido de nostalgia, el primitivismo buscaba conexiones con un pasado preindustrial en el que las personas estaban más conectadas con la naturaleza y entre sí.

El legado duradero del primitivismo y las suposiciones de larga duración sobre la calidad inferior del arte de las zonas colonizadas han hecho difícil incorporar a los artistas africanos, aborígenes y nativos americanos en las narrativas históricas del arte, pero se están realizando intentos de crear una historia del arte global.

Las respuestas contemporáneas al primitivismo, a menudo por parte de artistas afroamericanos y otros con conexión con varios países de África, son un intento no sólo de apropiarse de las formas de arte tribal sino de explorar, recuperar y reimaginar la plenitud de la herencia africana en la sociedad contemporánea.

CÓMO EMPEZÓ TODO…

El término «primitivo» deriva del latín, que significa «el primero o más temprano de su clase». Los viajeros a los mares del sur y África trajeron historias de nuevas culturas que poco se parecían a lo que los europeos conocían o valoraban. Los europeos admiraban estas nuevas culturas por su exotismo pero también las despreciaban, entendiendo que eran esencialmente «incivilizadas» en sus modales y costumbres.

Como señalan los historiadores de arte Mark Antliff y Patricia Leighten, la etiqueta «primitiva» no existe sin la idea de «civilizado». Los dos términos son necesariamente relacionales y crean una construcción ideológica que hace que lo primitivo carezca de sofisticación, pero el interés en lo primitivo también apuntaba a una tendencia nostálgica a priorizar un pasado preindustrial en el que la relación de uno con la naturaleza era primaria.

LAS OBRAS MÁS IMPORTANTES DE ESTE MOVIMIENTO Y ARTISTAS

Las siguientes obras de arte son las más importantes del Primitivismo – que tanto resumen las principales ideas del movimiento, como destacan los mayores logros de cada artista en el Primitivismo. No olvides visitar las páginas de resumen de los artistas que te interesan.

Paul Gauguin Visión después del sermón (1888)
Visión después del sermón (1888)
Artista: Paul Gauguin

VISION TRAS EL SERMON GAUGUIN
Descripción y análisis de la obra de arte: Gauguin presenta al espectador una escena visionaria: mujeres con sombreros blancos y vestidos oscuros, algunas con los ojos cerrados y las manos entrelazadas en oración, de espaldas al espectador presencian una escena del Antiguo Testamento, Jacobo luchando con un ángel. Gauguin pone la visión espiritual en un campo rojo para implicar que no está sucediendo en el mundo físico. El espacio aplanado y las formas simplificadas hablan del nuevo lenguaje visual que Gauguin y otros simbolistas estaban desarrollando en ese momento.

Antes de los infames viajes de Gauguin por el Pacífico Sur y su reubicación en Tahití para escapar de las normas sofocantes del civilizado y moderno París, él y otros encontraron alivio en Bretaña, una zona rural del noroeste de Francia famosa entre los artistas por las costumbres y rituales locales asociados con la vida campesina. Como señala el historiador de arte Gill Perry, las tendencias primitivistas de Gauguin se desarrollaron bien en los cuadros que pintó en Pont-Aven a finales de la década de 1880. Gauguin escribió a un colega artista sobre su estancia en Bretaña: «Amo Bretaña». Encuentro algo salvaje y primitivo aquí. Cuando mis zuecos hacen eco en esta tierra de granito, escucho la sorda y apagada nota poderosa que busco en mi pintura». Mientras pasaba por alto los desarrollos tecnológicos y el predominio de los turistas en la zona, Gauguin encontró una civilización supuestamente intacta en la que los campesinos, en palabras de Perry, estaban «incorruptos por la sofisticación y el materialismo del mundo moderno».

Gauguin asoció las formas simplificadas y aplanadas de su composición con lo que él pensaba que era la primitividad del pueblo bretón. Tales abstracciones no correspondían a la realidad observable sino a un significado interior que tenía paralelos con las prácticas religiosas de los bretones así como con la estética simbolista. Gauguin utilizaría estas formas y abstracciones recién descubiertas para representar aspectos similares de la cultura tahitiana que más tarde encontró, representando famosamente a las niñas y mujeres polinesias en poses eróticas en paisajes e interiores abstractos.

Óleo sobre lienzo – Galería Nacional de Escocia, Edimburgo
Pablo Picasso: Las damas de Aviñón (1907)
Las señoritas de Aviñón (1907)
Artista: Pablo Picasso

Las señoritas de Aviñón (1907) PICASSO
Descripción y análisis de la obra de arte: Una de las pinturas más reconocibles del siglo XX, Les Demoiselles d’Avignon representa cinco mujeres desnudas en varias poses. Cuatro de las cinco mujeres miran hacia el espectador. Sus cuerpos son angulosos y bastante abstractos, y tres de ellas poseen rostros en forma de máscara. Mientras que el escenario es estilizado, con indicios de una cortina y un bodegón en una mesa baja en primer plano, los numerosos estudios de Picasso hacen evidente que las mujeres están en un burdel. En esta innovadora obra pre-cubista, Picasso combina sus estudios sobre el arte primitivo, es decir, la escultura ibérica y africana, con referencias a El Greco y Miguel Ángel para crear una nueva síntesis que tendrá repercusiones a lo largo del siglo XX.

La apropiación de Picasso del arte primitivo ha tenido un gran impacto. Ya se interesó por el arte primitivo de la península ibérica, así como por el arte románico, y hacia 1906, tras una conversación con Henri Matisse y visitas al Museo del Trocadero, comenzó a coleccionar él mismo escultura africana. En 1937, Picasso recordó una epifanía que tuvo durante su visita al Trocadero en 1907. Mientras se desanimaba por los olores y la disposición del museo, Picasso recordó que cuando vio las esculturas y máscaras africanas se dio cuenta de que «las máscaras no eran como otros tipos de escultura». En absoluto. Eran cosas mágicas.. Las esculturas de los negros eran intercesores.. contra todo, contra los espíritus desconocidos y amenazantes…» Picasso tomó prestadas las cualidades formales de las máscaras africanas, como las caras de forma ovoide y los rasgos faciales angulares y geométricos, pero también, según el historiador de arte Jack Flam, asumió la idea «de que el proceso de hacer una obra de arte podría ser concebido como una parte integral de su función».

Aunque Picasso no conocía bien los contextos y usos de estas máscaras, vinculó las propiedades rituales y mágicas que suponía que tenían con su propio proceso artístico cuando describió Les Demoiselles como su «primer lienzo de exorcismo». La exploración del arte primitivo y el replanteamiento del proceso creativo pusieron a Picasso en el camino de desarrollar su estilo cubista analítico en el que se integraban la forma y el espacio y se abandonaba por completo el ilusionismo espacial renacentista.

Óleo sobre lienzo – Museo de Arte Moderno de Nueva York
Ernst Ludwig Kirchner: Bañistas en una habitación (1909, repintado en 1920)
Bañistas en una habitación (1909, repintado en 1920)
Artista: Ernst Ludwig Kirchner

BAÑISTAS EN UNA HABITACIÓN
Descripción y análisis de la obra de arte: En esta pintura a gran escala, Kirchner transpone en su estudio el habitual sitio idílico al aire libre de los bañistas tradicionales, de colores brillantes y decorado con artefactos y textiles pseudo-primitivos. Altas estatuas oscuras decoran la jamba de la puerta en el centro, y una cortina de color audaz separa dos habitaciones a la izquierda. En los redondeles de la cortina se puede ver a un rey sentado y a una pareja amorosa. Kirchner conocía las esculturas africanas y oceánicas que vio en el Museo Antropológico-Etnográfico de Dresde.

Aunque las esculturas y la cortina son vagas y no específicas, como señala la historiadora de arte Gill Parry, los objetos primitivos junto con los colores chillones, las distorsiones y la angularidad de las figuras habrían señalado una expresión «directa» o «auténtica» que se asociaba entonces con las culturas primitivas o incivilizadas.
En el manifiesto de Die Brücke de 1906 se lee: «Con fe en el progreso y en una nueva generación de creadores y espectadores convocamos a toda la juventud». Como jóvenes, llevamos el futuro en nosotros y queremos crear para nosotros mismos la libertad de vida y de movimiento contra las viejas fuerzas establecidas desde hace mucho tiempo. Reivindicamos como propio a todo aquel que reproduzca lo que le impulsa a la creación con franqueza y autenticidad». El abrazo de Die Brücke a los primitivos declaró su oposición a los valores burgueses y al paisaje en rápida industrialización e indicó su mediación entre el llamado pensamiento primitivo y el pensamiento y los sueños modernos.

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